samedi 31 octobre 2015

J'ai aussi regardé ces films en octobre

Parfois, je n'ai pas envie d'écrire sur les films que je viens de voir, soit parce que je les trouve trop navrants et franchement pas rigolos, soit par paresse, soit parce que je n'ai pas grand chose à dire. Voici les films que j'ai vu ce mois d'octobre dans les sorties en salles sur lesquels je vais me contenter d'écrire trois ou quatre lignes.

Sicario de Denis Villeneuve. Le film repose sur une bonne idée : faire du personnage d'Emily Blunt l'équivalent du spectateur qui ne comprend rien à cette histoire de trafiquants de drogue qu'on va chercher au Mexique. On est pris dans le récit mais on a l'impression de revoir Traffic de Steven Soderbergh. Ceci dit, la scène du passage à la frontière est formidable de tension.

Le Labyrinthe, la terre brûlée de Wes Ball. Le premier était de bonne facture et sa modestie plaisait face aux gros budgets de Hunger games et Divergente. Dylan O'Brien en jeune gars impulsif était parfait. Cette suite est confuse dans son scénario et reprise tous les poncifs sur la vie post apocalypse. Tout est dans la surenchère inutile : plus de personnages, plus de décors grandioses, plus d'action, plus de trahison.

Les Nouvelles aventures d'Aladin d'Arthur Benzaquen. Tout le monde déteste Kev' Adams mais 2 millions de spectateurs ne peuvent pas se tromper. Le comique de Kev' Adams se réduit à faire des blagues sur le physique (le sien y compris) et à repriser des gags de Louis de Funès. Il y a 10 ans, Michael Youn faisait la même chose, il n'existe plus aujourd'hui. Encore pire que Le Père-Noël avec Tahar Rahim.

Mon roi de Maïwenn. Je n'ai rien contre Norman Thavaud ou François-Marie Banier venus faire ici des petits rôles, par contre je ne supporte plus ce pseudo réalisme où les dialogues de Vincent Cassel sont essentiellement constitués de sarcasme filmés comme des scènes d'anthologie. Le film est très répétitif dans cette descente aux enfers de cette pauvre avocate face à un connard (comme se définit le personnage de Cassel). Un film en roue libre où chacun joue dans son coin. Le montage semble avoir récupéré toutes les chutes du making of.

L'Image manquante de Rithy Panh. Découvert en 2013 lors de son passage sur Arte, je ne l'ai pas revu. C'est un des meilleurs films du mois où le cinéaste cambodgien interroge, entre autres, le pouvoir des images face au fardeau des souvenirs. Il pose une question essentielle : comment filmer ce qui n'existe plus. On dit que c'est un documentaire, c'est surtout un grand film poignant. A voir s'il passe près de chez vous. Il existe également en DVD.

Le Dernier chasseur de sorcières de Beck Eisner. Entre deux Fast & Furious, la carrière de Vin Diesel est au point mort. Avec ses moustaches tressées, il ne parvient pas à convaincre dans ce navet qui n'arrive même pas à être aussi palpitant qu'un épisode de Teen Wolf, la série de MTV. Le scénario est trop compliqué et les effets spéciaux bas de gamme. Il entraîne dans sa chute Michael Caine venu cachetonner.

vendredi 30 octobre 2015

The Walk (Robert Zemeckis, 2015)

L'idéal serait de rentrer dans The Walk au bout de 45 minutes, à partir du moment où Philippe Petit (Joseph Gordon-Levitt) arrive à New York pour accomplir ce que le funambule français appelle son « coup » (en français dans le texte). Si vous arrivez dès le début du film, vous devrez subir la longue présentation des personnages. D'abord Philippe Petit qui s'adresse au spectateur du haut de la flamme de la statue de la Liberté, en regard caméra. Robert Zemeckis avait déjà lancé Forrest Gump de cette manière, avec son protagoniste éponyme comme narrateur omniscient.

Joseph Gordon-Levitt joue un Français et parle donc français quand le film commence puisqu'il vit à Paris. Paris de 1973 est filmé en noir et blanc avec force reconstitution de l'époque, 2CV et 4L roulent dans les rues pavées sur une chanson de Claude François ou de Johnny Hallyday. L'acteur a un léger accent américain, forcément, aussi peu naturel que son accent français quand il parle anglais. Au bout d'un moment, les couleurs reviennent à Paris et Philippe Petit parle anglais car il veut se faire passer pour un new-yorkais.

On rencontre ses futurs complices pour son projet fou : traverser les 43 mètres qui séparent les deux tours jumelles à 420 mètres d'altitude. D'abord son mentor, le patron d'un cirque (Ben Kingsley, même souci d'accent français) qui lui apprend les techniques du funambule. Puis Annie (Charlotte Le Bon) qui deviendra sa chérie, Jean-Louis (Clément Sibony) qui sera son photographe officiel (et pourtant on ne verra aucune image de l'époque, pas même dans le générique de fin) et aussi Jean-François (César Domboy), un prof de maths, utile pour calculer la juste tension des câbles.

Il aurait suffi de vingt bonnes minutes pour la partie française qui nage dans un romantisme cucul la praline assez fastidieux. Ainsi quand The Walk démarre vraiment, à New York, on se réveille. La préparation pour installer les câbles entre les tours jumelles est mise en scène comme dans un film de braquage. Petit va surveiller les allers et venues des gardiens, des ouvriers (l'un des tours est encore en construction), il va imaginer théoriser comment monter jusqu'au 101ème étage et comment tendre relier, sans se faire choper, les câbles.

Cette partie à l'humour diffus où les futurs complices de Philippe Petit doutent de la santé mentale du héros, est suivie par la traversée filmée en temps réel. On a beau savoir que tout est filmé en effets spéciaux et connaître l'issue de ce voyage, on tremble de tous nos sangs. Le vertige nous prend soudain, on est quelques minutes Philippe Petit. La magie numérique et la 3D opèrent à merveille. Le film s'achève avec une assertion sur le rêve américain : le funambule a donné son âme à ces tours que les habitants de New York détestaient jusque là. Le rêve américain, Robert Zemeckis ne va pas se refaire.

jeudi 29 octobre 2015

Notre petite sœur (Hirokazu Kore-eda, 2015)

Dans les films d'Hirokazu Kore-eda qui parlent de l'enfance, la douceur est proportionnelle à la cruauté de la situation vécue. Une mère qui laisse le frère aîné s'occuper de ses petits frères et sœurs dans Nobody knows (2004), deux frères séparés qui veulent se retrouver à mi-trajet dans I wish (20011), deux garçons échangés à la maternité qui retrouvent leur famille d'origine dans Tel père tel fils (2013) et trois sœurs qui accueillent leur demi-sœur jamais rencontrée dans Notre petite sœur. La jeune Suzu (Suzu Asano), 15 ans, qui vit à la campagne se retrouve orpheline de père. Ce dernier avait quitté le foyer familial et abandonné ses trois autres filles pour une autre femme, décédée depuis. Le père s'étant remariée, la sœur aînée Sachi (Haruka Ayase) propose à Suzu de venir habiter dans la vieille maison familiale, où « il fait bon vivre l'été mais qui est bien froide l'hiver ».

Les quatre sœurs ont évidemment des caractères bien différents. Sachi est infirmière, elle reproduit le schéma paternel puisqu'elle sort avec un homme marié, par ailleurs le médecin pour lequel elle travaille à l'hôpital. La deuxième Yoshino (Nagasawa Nasami) est guichetière dans une banque. Elle se laisse toujours avoir par les garçons qui n'en veulent qu'à son argent. Très coquette, elle pique les fringues de Sachi. La troisième Chiko (Kaho) bosse dans un magasin de sports tenu par un gentil gars aux cheveux crêpés. Un peu garçon manqué, mais la tête sur les épaules. Ses deux sœurs ne comprennent pas son choix de vie, ni ses étranges goûts amoureux. Pourtant, c'est elle qui s’avérera avoir la vie la plus normale des trois. Comme l'annonce Chiko à Suzu, les frangines se chamaillent souvent, mais elles font front quand tout va mal. Et ce qui va mal dans cette vieille maison de la campagne japonaise, c'est d'être seuls ensemble.

Pour ne pas être seules, les filles se rappellent quelques souvenirs familiaux. Elle regardent des photos de ce père (photos que nous ne verront jamais). Chiko confesse n'avoir presque plus aucun souvenir de lui. Quand la mère des trois sœurs vient faire une visite, toute la rancune de Sachi peut s'exprimer, elle tient sa mère responsable du départ de son père. Les souvenirs reviennent aussi en mangeant les maquereaux frits, les gâteaux de haricot rouge ou cette tartine faite à partir d'algues que Suzu est allée pécher elle-même et que son père lui préparait jadis, ce ragoût au curry que prépare Chiko pour Suzu, certaine qu'elles ont le même goût culinaire. On mange beaucoup, souvent à la maison et aussi dans le restaurant du coin, centre névralgique du souvenir commun mais qui menace de fermer. Il symbolise ce passé qui doit s'évanouir au fur et à mesure que les saisons passent.

Les quatre sœurs se transforment au contact les unes des autres. Suzu, en tant que personnage principal, est au centre de cette transformation, telle la quadrature du cercle. Elle doit refaire sa vie. Au lycée, elle se lie d'amitié avec Futa (Ohshirô Maeda), un lycéen, et intègre l'équipe de foot. Quand elle marque son premier but, ses sœurs célèbrent cet événement avec de la liqueur de prunes maison. Futa lui fait découvrir ce qui deviendra ses prochains souvenirs : une randonnée en vélo sous un tunnel de cerisiers en fleur (beau moment), une virée en mer pour observer les feux d'artifice (autre beau moment). La douceur de Notre petite sœur pourrait être vue comme de la mièvrerie. Elle est apaisante et revigorante évoquant les films campagnards de Mikio Naruse dans une volonté de renoncer à tout sensationnalisme. Ce sont les petits rien qui font les grands touts.

Lolo (Julie Delpy, 2015)

Le générique de Lolo rappelle de vieux souvenirs : ces petites séquences animées des films de Claude Zidi ou de Pierre Richard, bref une plongée dans les années 1970 de deux minutes avant de revenir à 2015, à Biarritz où deux copines parisiennes font une thalasso. Les deux filles, Karin Viard et Julie Delpy (accompagnées d'Elise Larnicol qu'on ne reverra plus) parle de leur absence de sexualité. Le ton est cru comme il faut, dans un mélange de vulgarité et de snobisme qui donne une bonne dose d'humour. Ainsi quand deux pécheurs du coin arrivent, dont Danny Boon, les deux filles acceptent bien de faire un coup de sexe hygiénique mais pas plus. Comme on a bien vu cette affiche en quatre quarts, on a compris que Danny Boon, ingénieur informatique, va tomber amoureux de Julie Delpy. Et vice-versa.

Julie Delpy, ici dans une triple position d'actrice-scénariste-réalisatrice, parvient à faire passer cette opposition entre la super parisienne bobo jusqu'au bout des ongles et le provincial monté à Paris pour le boulot. Son personnage travaille dans la mode, lui fabrique des logiciels pour les banques. Il habite à Beaugrenelle, elle dans les beaux quartiers. Le comique fonctionne car elle parvient à se moquer, toujours gentiment, des deux univers qui s'emboutissent. Effectivement, voir Dany Boon raide comme un piquet dans un défilé de mode en train de faire un selfie avec Karl Lagerfeld vaut le repas à la cantine du quartier de la Défense que partagent Danny Boon avec Julie Delpy. L'incongruité se déploie pour les deux personnages avec un certain sens du réalisme, un tantinet exagéré pour créer de l'humour. C'était ce qui manquait aux derniers films de Dany Boon pour vraiment faire rire.

Cette merveilleuse symbiose pourrait continuer tranquillement si le fils de Julie Delpy, l'affreux Lolo, incarné donc par Vincent Lacoste, faisait tout pour saboter cette idylle. Avec son petit sourire de faux-cul, son air de bobo chemise ouverte sur ses trois poils et son boxer orange dans le salon, l'adulescent ne veut pas voir de ce futur beau-père plouc. C'est là que le concept du comique des années 1970 qui fait mouche : Lolo va pirater le couple. Julie Delpy le filme tel quel, comme un personnage secondaire qui veut devenir le metteur en scène. On croit qu'il ne fait que de mignonnes crasses à Dany Boon, mais tout devient subitement violent et malsain, tout comme l'était la relation des personnages dans tous les films précédents de Julie Delpy. La cinéaste ne négocie pas tout à fin bien la fin de son film, expédiant le finale et la révélation, mais les dialogues sont tellement savoureux qu'on lui pardonne facilement.

mardi 27 octobre 2015

Brancaleone s'en va-t'aux croisades (Mario Monicelli, 1970)

 
Encore plus borné, plus bigot et plus calamiteux que dans L'Armée Brancaleone, le chevalier Brancaleone de Norcie veut aller à Jérusalem sauver la Chrétienté dans Brancaleone s'en va-t'aux croisades. On admirera le titre français, pour une fois plus amusant et plus direct que le titre italien. Il affirme bien l'idée du caprice strictement puéril du personnage principal qu'incarne un deuxième fois Vittorio Gassman. Bigot, borné et calamiteux, il l'est tout autant que cette équipe de pèlerins qui embarque, croix à la main et foi débordante, sur un navire. Ils croient accoster en Palestine après avoir traversé la Méditerranée, ils n'avaient pourtant que ramé quelques minutes. Ils ont en fait traversé un lac et un gardien de chèvres, éberlué, les prend pour des fous. Bigot, borné et calamiteux, il l'est tout autant que cet évêque qui l'accuse d'hérésie, lui et les autres pèlerins qui vont se retrouver occis au sabre par l'armée du prélat.

L'armée constituée dans le premier film n'est plus la même, Brancaleone retrouve sur les lieux du massacre, auquel il a échappé, quatre nouveaux compagnons. Un lettré, un aveugle, un estropié et un paysan. Le groupe s'étoffera au fil du récit. Un soldat teuton qui avait pour mission de tuer le bébé d'un roi chrétien est le premier à se joindre au groupe. Suivront un damné qui se punit pour un péché mortel que l'on ne connaîtra jamais, une sorcière aux cheveux courts qui est près d'être brûlée par les notables d'une ville du coin, un nain habillé de rouge qui accuse la sorcière de lui avoir jeté un sort et enfin, un lépreux couvert d'un linceul. Et le bébé, symbole d'une nouvelle ère au milieu de tous ces morts, est aussi du voyage. Les membres de cette armée passent leur temps à se chamailler et à faire preuve devant chaque obstacles de lâcheté. Ce sera à qui sera le premier à s'enfuir en premier et à trahir l'autre pour sauver sa peau. Les personnages sont pathétiquement comiques et attachants, même si leur foi est largement compatible avec la bêtise et l'ignorance.

Les deux Brancaleone se ressemblent beaucoup, toujours dans une forme en épisode, qui cette fois sont clairement titrés et chapitrés. Le chevalier et son armée rencontrent de nombreux personnages, à commencer par la Mort qui vient l'affronter avec sa faux, la sorcière discute avec les cadavres d'un arbre des pendus. Le film pointe une période troublée, plus noire, plus macabre même si Brancaleone affirme qu'on n'est plus en l'an mil, qu'on est en période moderne. Cette ironie, Mario Monicelli la prolonge avec cet affrontement entre deux Papes, Grégoire et Clément, ce dernier ayant déposé l'autre, chacun se traitant d'antipape qu'un ermite, perché sur une colonne tel le Simon du Désert de Bunuel, doit départager. Paradoxalement, le film est très coloré, les tuniques sont aussi bariolées que les personnages sont hauts en couleurs. Les aventures se poursuivent en Terre Sainte où un roi de pacotille se bat, par procuration, contre le prince musulman. En deux heures, le cinéaste déploie sa critique de la bigoterie. Pas grand chose n'a changé en mille ans.















lundi 26 octobre 2015

L'Armée Brancaleone (Mario Monicelli, 1966)

 
L'Empereur saxon a attribué la ville d'Auracastro dans les Pouilles a un valeureux chevalier. Pas de chance pour lui, chemin faisant, il tombe sur une horde de barbares hongrois venus piller la ville et massacrer les habitants. Et ceux que le chevalier avait aidé à se défendre contre les barbares, sont des vauriens et des voleurs qui en profitent pour s'emparer de ses biens et notamment du parchemin qui déclare l'investiture impériale.

Ces vauriens, ce sont Abacuc, le vieux Juif colporteur qui vit dans son coffre, Mangoldo et son fils Gros-Talon qui s'étaient cachés dans un tonneau, et Pecoro, bandit de grands chemins. N'étant pas eux-mêmes de bonnes familles, ils décident de partir en route d'un chevalier aussi désargenté qu'eux, un chevalier qui acceptera d'aller jusqu'aux Pouilles. Et cet homme providentiel est Brancaleone de Norcie (Vittorio Gassman).

Le Moyen-âge que présente L'Armée Brancaleone dans sa séquence d'ouverture est poisseux, crasseux et violent, les Hongrois tranchent les chairs de leurs sabres, sont pouilleux et vitupérant, les habitants du lieu vivent dans la boue et la fange. Les compagnons de l'armée sont à moitié nus. L'imagerie chevaleresque du cinéma hollywoodien (je pense à des films comme Ivanhoë ou Prince Vaillant) faite de belles images et de romantisme est balayée par Mario Monicelli.

Le héros du film est au diapason de ce début de film. Vittorio Gassman n'a pas son pareil pour jouer les personnages stupides qui se croient plus malins que tout le monde. Brancaleone est un chevalier désargenté et débraillé. Abacuc reconnaît immédiatement sa tente, c'est la seule faite de haillons, comme ses vêtements d'ailleurs. Brancaleone s'est engagé dans un tournoi. Il est persuadé de le gagner et de pouvoir épouser la fille du seigneur local.

Il avait d'abord refusé la proposition de vauriens, mais comme son cheval Aquilante (à l'étrange robe jaune), le seul qui ait un peu de cervelle dans l'histoire, a décidé de fuir. Brancaleone se lance dans l'aventure, à condition d'être le chef de troupe, un chef dont chaque nouvelle décision semble plus irréfléchie que la précédente. Son incompétence, son manque de jugeote et sa malchance feront le reste, c'est-à-dire provoquer le rire chez le spectateur et établir un irrésistible satire de l'époque.

Le voyage sera long, fait à cheval et à pied. Au cours du périple, cette bien maigre armée va rencontrer quelques personnages pitorresques. Le film fonctionne comme un film à sketches. Teofilatto de Leonzi (Gian Maria Volonte) est un autre chevalier d'origine byzantine que Brancaleone croise. Lui aussi désargenté, il va suggérer d'inventer une demande de rançon auprès de son père fortuné. Teofilatto est un peu plus malin que Brancaleone, mais à peine plus. Il va rejoindre l'armée.

Le groupe va traverser une ville déserte où ne vit qu'une femme, il va croiser le moine Zenone, un zélote qui veut partir en croisade et baptiser Abacuc, il va rencontrer Matilda (Catherine Spaak) une jeune vierge promise à un seigneur, puis la famille de Teofilatto où sa tante libidineuse (Barbara Steele) veut fouetter Brancaleone. Et l'armée croise également un ours et quelques Sarrasins. Entièrement tourné en décors naturels et se déroulant la plupart du temps en extérieurs (champs, forêts, rues des vieilles villes).

L'Armée Brancaleone montre une époque et un pays dévastés par les doctrines religieuses (Chrétiens d'Occident, d'Orient et Sarrasins se combattent) et la soif de pouvoir. Tout le monde en prend pour son grade, Brancaleone comme ses soldats, les seigneurs, les prophètes de la Chrétienté. Antérieurs au Satyricon Fellini et aux Pasolini en costumes, le film de Mario Monicelli allie l'humour burlesque et la férocité critique. Les Monty Python s'en sont sûrement inspiré pour Sacré Graal.














dimanche 25 octobre 2015

The Ring (Alfred Hitchcock, 1927)

 
Au sujet de The Ring, Alfred Hitchcock dira à François Truffaut : « C'était un film réellement intéressant. Je dirais qu'après The Lodger (1926), The Ring a été le deuxième film d'Hitchcock. Il y avait là toutes sortes d'innovations et je me souviens qu'une scène de montage assez élaborée a été applaudie à la première du film. C'était la première fois que cela m'arrivait. Il y avait toutes sortes de choses qu'on ne ferait plus aujourd'hui, par exemple une petite fête, un soir, après un match de boxe. On verse le champagne dans les verres et on voit très bien le champagne qui pétille, et toutes les bulles... On porte un toast à l'héroïne et on s'aperçoit qu'elle n'est pas là parce qu'elle s'est éclipsée avec un autre homme. Alors le champagne ne pétille plus. A cette époque, on était très fort pour les petites idées visuelles, quelquefois si fines que les gens ne les remarquaient pas.
Le film commence sur un champ de foire, au stand d'un boxeur, qui était joué par Carl Brisson, et qu'on appelait dans l'histoire Jack One Round. Et l'on montrait dans la foule un Australien, interprété par Ian Hunter. Il regardait l'aboyeur qui disait Entrez, entrez, on s'amuse ici. L'aboyeur, qui se tenait devant le stand, jetait des regards par derrière son épaule pour suivre l'évolution du match. On montrait des boxeurs amateurs volontaires qui entraient dans le stand et en ressortaient en se tenant douloureusement la mâchoire, jusqu'au moment où Ian Hunter y pénétrait à son tour. Les employés du stand rigolaient en le voyant, et ils ne jugeaient même pas utile de lui accrocher son manteau, ils le tenaient à la main, pensant que le type ne tiendrait jamais plus d'un round. Le match commençait et on voyait le changement d'expression sur la figure des employés. A la fin du premier round, l'aboyeur décroche la première pancarte, vieille et sale, et il met la pancarte numéro 2, toute neuve puisque jamais utilisée, étant donné la force de Jack One Round. »